Развитие русской культуры середины 18 века делится на два этапа:   

1. 30-е годы - мрачное время правления Анны Иоанновны (1730 - 1740), Бирона, засилья иностранцев, временщиков. В это время наблюдается отход от политики Петра I, упадок государственной и культурной жизни, утрата художественных традиций, знаний, кадров.

2. 40 - 50-е годы - период правления Елизаветы Петровны (1741 - 1761). С воцарением Елизаветы возрождается линия Петра I, происходит оживление культурной жизни, поощряется все отечественное. В середине 18 века русская культура делает значительный шаг вперед.

 Наука и образование.

Главное событие в истории русской культуры этого периода - это открытие первого российского университета. В 1755 году по инициативе М.В. Ломоносова при активной поддержке И.И. Шувалова был создан Московский университет. Первым директором университета стал единомышленник Ломоносова - А.М. Аргамаков. Для университета Ломоносов составил план и программу обучения, подобрал преподавателей. По его настоянию лекции читались русскими профессорами и только на русском языке. Студенты обучались на трех факультетах - философском, медицинском и юридическом. Будущих студентов готовили в университетской гимназии с отделениями на дворян и разночинцев. Обучение в университете продолжалось 7 лет. Численность студентов была невелика - от 50 до 100 человек. В университете учились и преподавали известные в последствие писатели-просветители Н.И. Новиков и Д.И. Фонвизин. Из университетского пансиона вышли такие выдающиеся литераторы, как А.С. Грибоедов, В.А. Жуковский, М.Ю. Лермонтов.

Кроме университета, в середине 18 века в России появились профессионально-художественные учебные заведения. В Петербурге - это Танцевальная школа (ныне училище им. А.Я. Вагановой), в Москве - Балетное училище и Академия художеств, открывшаяся в 1757 году. Открытием Академии было положено начало систематической основательной подготовке молодых мастеров в самой России.

Художественная культура. Театр.

громное значение для культурной жизни России имело создание театра. В 1702 году по велению Петра I был создан Публичный театр, рассчитанный на массовую публику. Специально для него на Красной площади было выстроено здание. Там давала спектакли немецкая труппа И.Х. Кунста. В репертуаре были иностранные пьесы, которые успеха у публики не имели, и театр прекратил свое существование в 1796 году. В середине 18 века во многих городах российской империи выступали иностранные актерские труппы - французские, немецкие, итальянские. В 1750 году в Ярославле начинались спектакли первого провинциального театра с русскими актерами. Во главе театра стоял известный актер Ф.Г. Волков (1729 - 1763).

В 1752 году по настоянию Елизаветы Петровны Ярославский театр переехал в Петербург и в 1756 году на его основе был создан первый государственный театр - Российский театр (с 1832 года - Александрийский). Директором его стал А.П. Сумароков (1717 - 1777), поэт, автор первых русских комедий и трагедий. Первая трагедия Сумарокова называлась "Хорив" (Хорив - один из легендарных основателей Киева).

Архитектура.

Царствование Елизаветы Петровны было в культурном отношении для России почти тоже, что царствование Людовика XIV для Франции. Искусство стало частью большой политики, превратилось в средство прославления величия, мощи и славы новой империи. В это время формируется стиль русского барокко. Создателем стиля является Ф.Б. Растрелли (1700 - 1771). Шестнадцатилетним юношей вмести с отцом, известным скульптором, он переехал в Россию. Восемь царствований он пережил на берегах Невы.

Приехал в Санкт-Петербург, город с низенькими, приземистыми домами, а оставил после себя изумительные по своей красоте дворцы. Растрелли хорошо знал и древнее зодчество, и московскую архитектуру 17 века. Поэтому, хотя барокко - общеевропейский стиль, но в творениях, созданных Растрелли, чувствуется и русский колорит.

Особенности русского барокко - широта замыслов, четкость планов, гармоничность композиции, слитность архитектуры и скульптуры, сочетание дворцовой и церковной архитектуры, использование традиционных луковичных куполов, многоцветная окраска, характерная для храмов 17 века. Лучшие произведения Растрелли представляют собой большие загородные дворцово-парковые резиденции. Во второй половине 1740-х годов архитектор значительно расширяет Большой Петергофский дворец, а в 1752 - 1757 годах заново строит Екатерининский дворец в Царском Селе (ныне г. Пушкин). Огромный регулярный комплекс Царского Села, формировавшийся на протяжении всей первой половины века трудами А.В. Квасова, С.И. Чевакинского, а затем Растрелли, построен по центрально осевому принципу: на одной оси последовательно "нанизаны" Новый сад, Екатерининский дворец и старый сад с павильоном Эрмитаж и выдвинутым в сторону пруда павильоном Грот. Большой дворец, так же как и в Петергофе, выдержан в типе так называемого "блока-галереи". Он сильно вытянут в длину, художественная выразительность сконцентрирована в фасадах, выходящих в стороны обоих парков. Архитектор всячески уничтожает впечатление плоскости, насыщая фасад дворца пластическими элементами - кариатидами, колоннами, частично "уплотненными" в стене и составляющими с ней неразрывное целое, растительной орнаментации наличников. Эти особенности, так же как общее ощущение массивности и нарядности, присущи и Зимнему дворцу (1754 - 1762), и частным петербургским дворцам Воронцовых и Строгановых.

Изобразительны и очень разнообразны интерьеры Растрелли, особенно великолепная анфилада комнат Екатерининского дворца, порождающая иллюзию бесконечно развивающегося пространства, сверкающая зеркальными поверхностями и резкой золоченой орнаментацией. Театральный характер интерьеров дополняют живописные платформы.

Значительное место в творчестве Растрелли занимает культовое и монастырское строительство. С конца 40-х годов архитектору поручается проектирование и строительство Смольного монастыря в Петербурге. В соборе монастыря Растрелли переводит на язык барокко тип русской пятиглавой церкви. Боковые главы не рассредоточены здесь по углам здания, а вплотную примыкают к центральному куполу. Благодаря этому возникает чрезвычайно компактная и динамичная композиция, превращающая собор в одну из важных градостроительных точек. Мотив башен, словно эхо, повторен в церквях корпуса келий и в деталях ограды, где путем постепенного ослабления этого мотива зодчий как бы сводит темы на нет. Вариант пятиглавия, предложенный Растрелли, позволяет говорить о творческой интерпретации средневековой традиции, уже превратившийся в историческое достояние.

На протяжении первой половины 18 столетия московская архитектура шла собственным, несколько замедленным по сравнению с петербургским, но вполне оригинальным путем. Еще до основания северной столицы она обнаружила тяготение к новшествам. В компромиссном варианте здесь было намечено многое из того, что затем воплотилось в архитектуре Петербурга. Именно в Москве еще в переходных формах были осуществлены новые типы административных зданий (Арсенал в Кремле), дворцово-парковых ансамблей (усадьба Ф. Головина в Лефортове), культовых построек, увенчанных шпилем (церковь Архангела Гавриила, так называемая Меньшикова башня). В дальнейшем 30-е и особенно 40 - 50 годы 18 века Москва развивала принципы современного зодчества в соответствии с собственным эстетическим представлением. Бережное отношение к традиции характерно для деятельности И.Ф. Мичурина, составившего первый точный план Москвы. Архитектор предусмотрел благоустройство улиц, достройку незавершенных зданий и приведение в порядок старых. Главной заслугой Мичурина явилось основание московской архитектурной школы. Его ученикам - А.П. Евлашеву, В.А. Обухову и особенно Д.В. Ухтомскому - удалось соединить принципы нового зодчества с живыми и пользовавшимися призванием в Москве и провинции понятиями о красоте: любви к несколько тяжеловатому, пластичному объему, обильной и сочной орнаментации, звучной, хотя и не всегда утонченной, окраске фасадов.

Во главе московской архитектурной школы долгое время стоял Д.В. Ухтомский (1719 - 1774). Самые известные его сооружения - Красные ворота и достроенная им многоярусная колокольня Троице-Сергиевской лавры (1741 - 1769), органически вошедшая в колоритный ансамбль старого монастыря. В Москве было немало богатых городских усадеб. Некоторые из них, подобно домам А.П. Бестужева-Рюмина и Демидовых, вытянуты вдоль улиц, а фасадами обращены в реке. Такое сочетание городского и загородного поместий гораздо реже встречается в Петербурге с рано зародившимися в нем урбанистическими тенденциями. Из числа почти несохранившихся светских построек Москвы середины столетия до нас дошел несколько перестроенный грузный и нарядный дом Апраксиных на Покровке. Большинство московских храмов этого времени сохраняет традиционное трехчастное построение и состоит из собственно церкви, трапезной и колокольни. Как было принято в старой русской архитектуре, купол перекрывает большое единое пространство и завершается легким декоративным фонариком (храм Никиты Мученика).

Скульптура.

Процесс становления новых методов в скульптуре происходил медленнее, чем в других искусствах. Слишком долго смотрели русский люди на круглую скульптуру, как на языческих "болванов". Правда, и в первой половине 18 века, и ранее существовала прекрасная полихромная деревянная скульптура Вологды и московской школы. Но она была преимущественно религиозного содержания, а светской скульптуре нужны были иные пути развития. В первой половине 18 века постепенно осваиваются все жанры станковой и монументальной светской скульптуры.

Большую роль в формировании светской скульптуры в России сыграли заграничные путешествия русских людей. Они познакомились с памятниками на площадях городов, декоративной скульптурой прославленного Версаля и итальянских садов. Не меньшее значение имела покупка статуй для Летного сада работы венецианских мастеров конца 17 - начала 18 века и даже античных подлинников (статуя Венеры Таврической). Летний сад, служивший в теплое время огромным "залом" для ассамблей и балов, был своего рода наглядной школой, приобщавшей любознательного зрителя к искусству, для которого стал показателен новый способ мышления аллегорическими образами. Использование скульптуры в разнообразных декоративных целях, в частности для украшения триумфальных сооружений, составляет одну из характерных черт петровского времени. На фасадах Летнего дворца сохранились терракотовые барельефы, расположенные между окнами и над главным входом. Автор лучших из них - немецкий скульптор А. Шлютер. Панно кабинета Петра I в Большом Петергофском дворце принадлежат французскому скульптору П. Пино. Вырезанные в невысоком рельефе из дерева, нарядным узором плотно заполняющие поверхность стены, они олицетворяют разные искусства, воинские доблести, охоту и т.д.

Наиболее крупным скульптором этого периода является Б.К. Растрелли (1675 - 1744). Флорентинец по происхождению, работавший в Риме и Париже, он был воспитан в традициях барокко. Растрелли приехал в Россию в 1716 году и трудился здесь до конца жизни. Выполненные Растрелли бюсты А.Д. Меньшикова и Петра I положили начало развитию русского скульптурного портрета. Созданию бюста Петра I предшествовала большая работа с натуры. Растрелли исполнил маску с живого Петра и восковую модель. Растрелли исполнена и первая монументальная скульптура - статуя Анны Иоанновны с арапчонком (1733 - 1741). Императрица предстоит в великолепном коронационном уборе, в сопровождении арапчонка, подносящего ей державу. Рослая и тучная, с лицом, как говорили современники: "более мужским, чем женским", Анна Иоанновна производит сильное, почто пугающее впечатление. Самое значительное произведение Растрелли - конный памятник Петру I. В нем отразились впечатления скульптора от монументов античности, Возрождения и 17 века. Петр изображен триумфатором, торжественно восседающим на коне в облачении римского императора. Примечательна судьба этого памятника. Отлитый в 1740 - 1745 годах уже после смерти скульптора под руководством его сына, архитектора Ф.Б. Растрелли, он полвека пролежал в сарае всеми забытый. Только в 1800 году по приказу Павла I он был установлен перед Инженерным замком в Петербурге.

Живопись.

В живописи середины 18 века ведущим жанром остается портрет. Один из крупнейших художников этой эпохи - И.Я. Вишняков (1699 - 1761), лирик и мастер детского портрета. В портретах Сары и Вильгельма Фермер, а также мальчика Ф.М. Голицына, застенчивость моделей и их непривычность к позированию диктует деликатную манеру исполнения. Изображение детей и парные портреты супругов Н.И. и К.И. Тишининых свидетельствуют о стремлении создать нарядную по колориту картину с торжественной постановкой фигур, интересным, а иногда и не нужным фоном.

Другой крупнейший художник середины 18 века - А.П. Антропов (1716 - 1795), мастер камерного и парадного портрета, художник большой реалистической силы. Среди его работ - живой и полнокровный портрет Елизаветы Петровны, парадное, и весьма неоднозначное по характеристике изображение Петра III, а также портреты священнослужителей, архаические, тяготеющие к парсуне, что продиктовано вкусами заказчиков. Камерные портреты Антропова, небольшие по размеру, чаще всего прямоугольные по формату, отличаются несколько однообразной и грузноватой посадкой фигур, которым словно тесно в отведенном пространстве холста (портрет А.М. Измайловой). Форма лица обычно приближена к овалу и производит впечатление почти стереоскопичной. Таков портрет атамана Ф.Н. Краснощекова. Полотна Антропова исполнены уверенной кистью и отличаются ярким локальным цветом.

Близок Антропову И.П. Аргунов (1729 - 1802) крепостной, художник Шереметевых, происходивший из замечательной династии, давшей и живописцев, и архитекторов. Его картины отличает пластичность, красивый теплый колорит, естественность и непринужденность. Значительная часть работ Аргунова - члены семейства его хозяев Шереметевых и их предки. С желанием заказчиков иметь фамильную галерею связан особый жанр в живописи 18 века - исторический или ретроспективный портрет.

Произведения иностранцев, работавших в середине столетия, выполнены в духе рококо. Этот стиль имел в России французских (Л. Токке), немецких (братья Г.-Х. и И.-Ф. Грот, Г.-К. Преннер), итальянских (П. Ротари) представителей. Особый вклад в развитие русской живописи внес Георг Грот (1716 - 1749). Среди полотен Грота особенно хороши парадные портреты малых форм - утонченное, грациозное изображение Елизаветы Петровны на коне в мундире Преображенского полка и черном маскарадном костюме. Грот - прекрасный колорист: тончайшие переливы голубовато-зеленоватых цветов, сближающихся с розовым и сиреневым, придают его холстам оттенок серебристой мозаики. В ряде мужских портретов В.В. Долгорукова, А.Д. Демидова - Грот досконально передает не только физиономические свойства персонажей, но и их характер, используя порой приемы гротеска. В полотнах Грота предстают образы лицемерия, уязвленной гордыни, сословной выспренности и т.п. Все это свидетельствовало о том, что в русском искусстве пробуждалось внимание к оттенкам внутреннего состояния личности, воплощение которых составило важнейшую задачу во второй половине столетия.

Большое влияние на развитие русской культуры середины 18 века оказала многогранная, полная творческих исканий и находок деятельность М.В. Ломоносова (1711 - 1765). Универсальность характеризует деятелей русской культуры 18 века. В этом смысле Россия 18 века напоминает европейский ренессанс. О Петре I принято говорить, что он знал 14 ремесел. В разных областях культурной деятельности, в науке и искусстве с одинаковым блеском работал М.В. Ломоносов. Позднее Пушкин назовет Ломоносова "первым нашим университетом". М.В. Ломоносов создал концепцию о корпускулярном строении вещества, сформировал закон сохранения материи и движения, открыл атмосферу на Венере, объяснил происхождение многих полезных ископаемых и минералов. Ломоносов также крупнейший русский поэт, он заложил основы современного русского литературного языка. Ломоносов возродил забытое в России искусство мозаики. Он основал первую химическую лабораторию, где получал цветное стекло, создал 112 оттенков смальты. У Ломоносова был грандиозный замысел создать более двадцати огромных мозаичный панно для Петропавловского собора. До нас дошла мозаика "Полтавская баталия", на создание которой пошло свыше миллиона кубиков разноцветной смальты.